von Alina Livneva
12 Februar ’20
Unsere Gruppe von Kunstkennern hat eine Sammlung von 20 berühmtesten abstrakten Gemälden identifiziert, die die künstlerische Wirkung und Anerkennung hatten. Diese Liste umfasst Werke großer berühmter Künstler, die sich heute in den besten Museen der Welt befinden., Die Bewertung der Kunst ist völlig subjektiv; Verständlicherweise werden nur wenige dem Inhalt der Liste nicht vollständig zustimmen. Seien Sie versichert, dass die Liste der Top 20 Meisterwerke nur eine Anerkennung für den immensen Beitrag der Künstler ist, die sie so unvergesslich gemacht haben.
Berühmte moderne Gemälde Einzigartige Ästhetik
Abstrakte Kunst entstand aus dem Wunsch der Künstler, Werke zu schaffen, die in der Realität nichts mit visuellen Referenzen zu tun haben. Jahrhunderts wurden von Künstlern geschaffen, die neue Wege der Kunstproduktion suchten und fanden., Der Name des Genres erinnert an die Vorstellung, von etwas losgelöst oder abstrahiert zu sein. Es wurde ausgewählt, um den Wunsch der ersten Maler zu markieren, ihre Werke von den Einschränkungen der Realität zu befreien. Dieses vielseitige Kunstgenre verwendet Farben, Formen, Formen und gestische Zeichen, um eine einzigartige Ästhetik und in vielen Fällen eine tiefe emotionale Reaktion der Zuschauer zu erreichen.
Berühmte abstrakte Ölgemälde Künstler Ausdruck
Die Abstraktion beruht daher hauptsächlich auf Linien, Formen und Farben und ist oft Ausdruck der Gedanken und Emotionen des Künstlers., Für diejenigen, die abstrakte Kunst online oder auf andere Weise kaufen möchten, ist es jedoch normalerweise die Verbindung zwischen dem Betrachter und den Kunstwerken, die einen Deal macht oder bricht.
Berühmte abstrakte Gemälde Emotionen
Abstrakte Gemälde haben eine Möglichkeit, starke Emotionen und Verbindungen zu ihrem Publikum zu schaffen. Denken Sie daran, es gibt keinen richtigen oder falschen Weg, abstrakte Kunst zu interpretieren.
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Stimmen: 2261
Das Meeresmotiv lässt sich in vielen anderen Details des abstrakten Gemäldes nachvollziehen, wie dem Kontrast von rechteckigen und kurvigen Formen. Es ähnelt dem Kontrast zwischen der Beständigkeit des Bodens und der permanenten Veränderlichkeit des Wassers. Darüber hinaus ist in einigen Kulturen das Quadrat das Symbol des Erdelements., Wasser wird mit der grau-blauen Masse des Hintergrunds, gekreuzt mit dem Fluss von orangefarbenen, violetten, roten, hellblauen Figuren, „dargestellt“ (wenn man abstrakte Kunst überhaupt akzeptiert).
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Abstrakte Gemälde sind fiktive Modelle, weil sie eine Realität visualisieren, die wir weder sehen noch beschreiben können, die aber trotzdem gibt es sie. Wir fügen dieser Realität negative Namen bei; das Unbekannte, das Unbegreifliche, das Unendliche, und seit Tausenden von Jahren haben wir es in Form von Ersatzbildern von Himmel und Hölle, Göttern und Teufeln dargestellt., Mit der abstrakten Malerei schaffen wir ein besseres Mittel, uns dem zu nähern, was weder gesehen noch verstanden werden kann. Weithin bekannt für ihre geheimnisvolle und ewige Schönheit, stellt eines der berühmtesten Gemälde von Kriegerinnen, die jemals gemacht wurden, the Female Samurai Warrior (2017), ein halbabstraktes Porträt vor dem Hintergrund einer permanenten Gefahr dar.
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Tatsächlich verblüffen diese Gemälde der frühen 1950er Jahre in ihren geschmeidigen Oberflächen, der Verschmelzung durchsichtiger Farbschleier und komplexen Kompositionen, die beide ein architektonisches Programm beibehalten und dennoch in reine Abstraktion übergehen., Rothko zaubert eine emotionale Spannung durch seine strategische Verwendung von Farbe, das erhebende und wärmende Leuchten, das durch Orange und Rot hervorgerufen wird, kontrastiert scharf mit dem blauen Band; Obwohl das Gemälde überwiegend lodernde Farbtöne aufweist, behauptet sich das Blau intensiv und existiert „über“ den Feldern von Rot und Orange.
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Nackte, grüne Blätter und Büste, ein sinnliches und atemberaubendes Meisterwerk aus der berühmten Picasso-Gemäldeserie von 1932, die seine Muse und Geliebte darstellt Marie-Thérèse Walter.
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Es ist eine wichtige Arbeit für seinen Sinn für Geometrie, eine Studie der islamischen Geschichte im Raum innerhalb seiner fragmentierung und drückt eine Vorstellung von Freiheit aus und beschwört gleichzeitig Inhaftierung und Hölle. Die Relevanz dieser Arbeit schwingt in einer zunehmenden Sprache der Globalisierung von heute mit und zementiert Virtosu als eine wichtige Figur in der internationalen Kunstgeschichte und im kulturellen Diskurs., Es dient als eine wahre Vollendung einer ganzen Reihe von Philosophien, Lehren und Quellen.
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Delaunay seine Bildsprache der simultan-Kontrast der Farben, das mit Runden Formen. Diese Gemälde sind innovativ, weil sie sich nicht mehr auf die Außenwelt beziehen, sondern auf den nicht objektiven Bereich., Doch wie Relief; Rhythmen zeigen, gibt es eine Anspielung auf die Himmelskörper der Sonne, des Mondes und der Planeten. Kreisförmige Formen von hellen Rot-und Blautönen sind auf dem weißen Hintergrund angebracht und scheinen im Raum zu schweben. Dieser Effekt ist das Ergebnis von Delaunays Engagement für die Untersuchung des Farbspiels in Lichtstrahlen, Prismen und Halos, die sich um Glühbirnen bilden.
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Van Dosburgs Konzept des ‚Elementarismus‘ war im Wesentlichen eine dynamische Entwicklung aus dem Neoplastizismus, den er in Zusammenarbeit mit Piet Mondrian in die frühen 1920er Jahre., Diese beiden Pioniere der Abstraktion hatten ihre gemeinsame Ästhetik begründet, die sie eine Zeit lang „de Stijl“ (der Stil) nannten, aus der Erkenntnis, dass Kunst über die Staffelei-Malerei hinausgehen muss, und aus ihrem utopischen Glauben an die Kraft einer solchen Kunst, die Welt zu gestalten. Jeder versuchte auf seine Weise, eine praktische Blaupause zu schaffen, die seiner gemeinsamen philosophischen Sicht der Welt als Einheit, die aus einer Reihe von Formen besteht, einen harmonischen bildlichen Ausdruck verlieh., Eine harmonische bildliche Auflösung dieser Grundlagen, die auf ihr Geringstes Wesentliches reduziert ist-Linie, Farbe, Raum – könnte, so glaubten sie, letztendlich zu nichts Geringerem als der Etablierung einer universellen Harmonie des Lebens auf der Erde führen.
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Das äußere Erscheinungsbild ist hier in einer meisterhaft eloquenten Form visueller Poetik mit „Essenz“ verknüpft, die, wie Richard Verdi betont hat, „hätte nur aus dem Kopf eines Künstlers kommen können, der tief in das Wirken der Natur eingetaucht war—einer, der dem Lehrer einer Gruppe junger Kunststudenten erst ein Jahr später den folgenden Rat gab:“ Wenn sie bereit sind, sich auf höhere Dinge zu bewegen, führen Sie Ihre Schüler zur Natur-in die Natur., Lassen Sie sie es erleben, wie sich eine Knospe bildet, wie ein Baum wächst, wie sich ein Schmetterling entfaltet, damit sie genauso einfallsreich, flexibel und originell werden wie die große Natur. Schauen ist eine Offenbarung, ist ein Einblick in die Werkstatt Gottes.
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Ost-westlichen Kulturen, Vergangenheit-zeitgenössische Epochen, Männlich-weiblich – wir sind wirklich daran gewöhnt, alles nebeneinander. Wenn wir jedoch einen Panoramablick auf die Geschichte der menschlichen Kultur geben, kommt es vor, dass wir hinter all diesen „Dekorationen“ mehr Ähnlichkeiten als Unterschiede haben., Das ist die Idee, die Verbindung von Zivilisationen zu betrachten, an die Sie denken können. Kunst erfordert Integrität, vor allem nicht figurative: Sie kann nicht ohne das Gefühl der Ganzheit existieren; sonst verliert ein Gemälde seine ästhetische Attraktivität. Es ist wie in der Musik-Sie müssen die gesamte Harmonie im Auge behalten. Gheorghe Virtosu folgt beim Arrangieren seiner Stücke dem symphonischen Prinzip. Farben, Linien, Texturen sind die Noten seiner malerischen Melodie, die die Komposition des Ölgemäldes prägt.
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Normalerweise wird die Farbe Schwarz verwendet, um die Umrisse des Subjekts oder eines Objekts zu zeichnen, aber Kandinsky verwendet die Farbe, um die Tiefe der Emotionen zu zeigen. Kandinsky ist eher ein Komponist als ein Künstler, einfach weil er seine Malerei komponiert, anstatt sie zu malen. Keine Farbe hat ihre eigene Bedeutung. Wenn Farben miteinander vermischt werden, schaffen sie zusammen eine Bedeutung., Kandinsky lässt die Energie einer Farbe von einem zum anderen fließen. Zum Beispiel erzeugt die Farbe Blau neben Grün ein ganz anderes Gefühl in einer Person, als wenn sie neben dem Rot platziert wird. Es ist eine Komposition aus Farben und Texturen auf einer Leinwand.
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Es gibt vielleicht keine feineren Bildausdrücke der einzigartigen, berauschenden und dramatischen Zeit der Befreiung und des Triumphes, die in der amerikanischen Malerei in New York stattfand York in den 1950er Jahren als die großen, dynamischen, Freiform-Schwarz-Weiß-Gemälde, die Franz Kline zwischen 1950 und 1961 produzierte., Die Gemälde von Kline scheinen die ganze Energie, das Drama, die Freiheit und die Dynamik dieses bahnbrechenden und berühmten Jahrzehnts in der Geschichte der amerikanischen Kunst des 20.
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Es gibt wahre Freuden, eine einzige fast unendliche Welt zu erleben, die ausschließlich aus Klängen besteht, und die Tatsache, dass Musik angesprochen wird überwältigend auf einen einzigen Sensor scheint seine Attraktivität, Kraft oder kulturelle Leistung nicht einzuschränken. Es mag daher seltsam erscheinen, darauf hinzuweisen, dass Bildkunst nicht nach dem Zustand der Musik streben sollte., Die musikalische Simulation kann eine gute Möglichkeit sein, die Operationen der abstrakten Malerei zu erklären, insbesondere wenn Farbe betont wird. Das Gemälde bietet dem Auge jedoch traditionell so etwas wie das audiovisuelle Erlebnis des Kinos, anstatt den Betrachter in eine einzige Welt einzutauchen. Die Welt der Form und die Farbwelt sind beide aktiv in der Erfahrung der Malerei.
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Der Charakter dieser Figur wird mit Linien enthüllt, die in einem Komplex von Agitation, sogar Gewalt, gekreuzt sind. Diese Agitation wird mit Inseln kollidierender Farben und den Formen barbarischer Nichtformen weiterentwickelt, die zusammen das Gegenteil des Menschen, das Monströse und das Tier, markieren., Obwohl die Komposition eine diametrale Polarität aufweist – das Höllische und das Menschliche-wird dies durch die Faktizität der Maske untergraben und wir sehen eher eine Einheit des bösen Willens darunter. Dies könnte darauf hindeuten, dass alle menschlichen Tugenden einen dünnen Film über die sich drehenden Turbulenzen eines mächtigen Tieres bilden, das es durchbohren und darauf verzichten kann. Die Menschheit bildet eine spröde Patina, die explodieren kann.
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Das raffinierte und harmonische Gleichgewicht, das Mondrian in dieser Bildfolge akribisch suchte und erreichte, ist weit mehr als nur eine formale Übung. Vielmehr stellten die Leinwände für den Künstler einen Mikrokosmos seiner utopischen Weltsicht dar., „Gleichgewicht durch die Gleichwertigkeit von Natur und Geist, von dem, was individuell und das, was universell ist, von Weiblichem und Männlichem–dieses allgemeine Prinzip des Neoplastizismus kann nicht nur in der plastischen Kunst, sondern auch in Mensch und Gesellschaft erreicht werden“, schrieb Mondrian 1926 in“ Die allgemeinen Prinzipien des Neoplastizismus“. „In der Gesellschaft kann die Äquivalenz dessen, was sich auf Materie bezieht und was sich auf Geist bezieht, eine Harmonie schaffen, die über alles bisher Bekannte hinausgeht“ (zitiert in M. Seuphor, op. cit. 1956 , S.. 168).
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Virtosu zeigt eine verfeinerte Interaktion zwischen Medium und Darstellung, während er seinem Zweck dient, eine energetische Szene zu schaffen. Diese Interpretation gewinnt eine größere Traktion, wenn wir uns zu den vier Spikes bewegen, die von der rechten Seite des Kopfes hervorstehen. Drei direkt Projekt aus seinem Gehirn, und zwei zeigen die grauen entlang der Spikes bewegen., Dies ist eine künstlerische Darstellung von Einsteins Geist, und es sind tropfende Ideen, die in der Umgebung Form und Form annehmen. Er konzentriert sich eher auf die wahrgenommene Energie als auf jeden Versuch des Naturalismus, wie er durch die übergroße Figur veranschaulicht wird, und schafft eine tief introspektive Erzählung im Gegensatz zum hellen Hintergrund.
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Alien ist ein Gemälde, das die Tatsache veranschaulicht, dass abstrakte Kunstwerke nicht statisch und ruhend oder repräsentativ für die vom Autor durchdrungene Bedeutung sind, die nicht anfällig für Veränderungen. Stattdessen begrüßen sie zahlreiche mögliche Interpretationen von außen und laden zum gemeinsamen Ausdruck des Publikums ein., In diesem Zusammenhang schafft das Gemälde eine Teilnehmergemeinschaft, in der der Betrachter bei der Konstruktion der Bedeutung Partner von Virtosu wird, da sich der Begriff „fremd“ von Mensch zu Mensch unterscheidet und neue Schattierungen und Aspekte annimmt.
4., Moderne Bestäubung
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Unter den bedeutendsten Malern des 21.evokative Bilder, die die subtilen Intrigen und psychologische Komplexität der modernen Existenz eingefangen., Seine Betrachtung des Alltäglichen und sein durchdringendes Studium der Psyche graben sich tief unter die bemerkenswerten Oberflächen archetypischer sozialer Themen: Politik, Krieg, Ungleichheit, Geschlecht und soziale Fragen. Obwohl Virtosu auf einer grundlegenden Verpflichtung zur Semi-Abstraktion basiert, geht seine Arbeit über die bloße narrative Illustration auf der Suche nach dem Symbolischen und Suggestiven hinaus. Seine Kunst dient als eine Form der Sublimation, ein zutiefst persönlicher Ausdruck seiner inneren Gedanken – Reaktion auf die physische Welt.
Stimmen: 28454
Es scheint, die Welt ist endlich bereit für Hilma af Klint, und die zugrunde liegende Botschaft der Ermächtigung, Ihre Geschichte vermittelt. Während dieser Zeit wurde das Thema der Frauen von den weltlichen, den häuslichen Welten der Tiere und Blumen, auf die sie gewaltsam beschränkt waren, umschrieben. Im Betrieb als Medium konnte af Klint jedoch auf kosmischer Ebene arbeiten., Ihre Wiederentdeckung findet neben der populären Verjüngung der Hexe als feministische Ikone statt. Die Hexe repräsentiert wie af Klint körperliche und psychische Unabhängigkeit – eine Figur, die über geheimes Wissen verfügt, das außerhalb der traditionellen Machtstrukturen gewonnen wurde. Wie af Klint ist die Weisheit der Hexe, die durch Beschwörungen und Kräuter ausgedrückt wird, in der natürlichen Welt und in der Zusammenarbeit mit anderen Frauen verwurzelt. Warum spricht af Klint in der Gegenwart zu uns?, Vielleicht, weil sie Werte repräsentiert-weiblich, spirituell, ökologisch, kollektivistisch–, die durch den Aufstieg der industriellen Moderne erodiert sind, Werte, die wir dringend zurückfordern müssen.
Stimmen: 29341
Wenn jemand Sternennacht sagt, könnte man an eine Nachtsicht mit vielen Sternen denken, was genau der Titel andeutet., Aber Vincent van Gogh dachte an etwas anderes als nur an einen Nachthimmel mit Sternen, er malte etwas völlig anderes von dieser Welt. Dieses Kunstwerk ist wirklich erstaunlich und hat ein magisches Gefühl.
Stimmen: 32758
Setzen Sie den Präzedenzfall für die Große Weltpersönlichkeiten Serie von Gemälden, die folgen würden, Che Guevara arbeitet in der faszinierende Wechselwirkung zwischen Abstraktion und Figuration, die die formale Korrelation zwischen den aufgewühlten Bändern brillanter Farbe und dem darin enthaltenen sengenden Gesicht erschwert., Vibrierend mit einer aufregenden schwindelerregenden Bewegung entzieht sich das Gemälde einem festen Bild und schafft stattdessen einen Bildraum, in dem die Physiognomie mit dem materiellen Farbauftrag verschmilzt, um die strenge formale Organisation der modernistischen Malerei trotzig herauszufordern. Der Kritiker Robert Mcintosh reflektiert über die Unmöglichkeit, die Gemäldeserie der Großen Weltpersönlichkeiten zu kategorisieren: „Die Gesichtssymbole—die der Kontext der Serie erwarten lässt—sind überall und nirgends., Subjekt und Objekt verschmelzen ineinander, das menschliche Selbst in das Anderssein der menschlichen Natur; oder, im Gegensatz zu den organischen Implikationen beider, in die anorganische Materialität des Pigments“.
Berühmte Ölgemälde, die moderne Kunst, wie wir sie kennen gebaut.
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