Wie würden Sie definieren, was Pop-Art ist, und was bedeutet es für Sie? Das internationale Phänomen der Pop Art entstand Mitte der 1950er und Anfang der 1960er Jahre. Etwa sechs Jahrzehnte später ist der Einfluss und die Marke der Pop Art-Künstler in fast allen Aspekten unserer modernen Gesellschaft zu sehen., Von einigen als direkter Nachkomme des Dadaismus betrachtet, in Bezug auf die Art und Weise, wie er die etablierte Kunstwelt verspottete, indem er sich Bilder von Straße, Supermarkt und Massenmedien aneignete und sie als Kunst an sich präsentierte, konzentrierte sich Pop Art auf Massenproduktion, Berühmtheit und die expandierenden Branchen Werbung, TV, Radio und Printmedien. Letztlich prägte es eine völlig neue kulturelle Identität im Bereich Kunst und Design. Die Kunstbewegung zielte darauf ab, die Populärkultur auf das Niveau der bildenden Kunst zu heben und so die Grenzen zwischen hohen und niedrigen Künsten zu verwischen., Mit einem der Schlüsselprinzipien, dass es keine Hierarchie der Kultur gibt und dass Kunst aus jeder Quelle leihen kann, forderte Pop Art die Traditionen der bildenden Kunst heraus, stellte den etablierten Rahmen der Schöpfung in Frage und führte eine ganz neue Welt der Ästhetik ein. Schauen wir uns also die zehn berühmtesten Pop-Art-Künstler an, deren Arbeit die farbenfrohe und lebendige Welt der Pop-Art hervorgebracht, entwickelt, beeinflusst und geformt hat., Mit ihren Gemälden, Skulpturen und Bildern hinterließen diese Pop-Art-Künstler einen bedeutenden Einfluss auf die Welt der Kunst und fesselten die Vorstellungen der kommenden Generationen und definierten unsere visuelle Perspektive der Populärkultur um uns herum neu.
Roy Lichtenstein – Revolutionizing Modern Art
Als einer der ersten Namen in der Pop-Art wurde Roy Lichtenstein schnell zu einer der führenden Figuren der Bewegung., Seine Arbeit wurde hauptsächlich von Comic-Strips inspiriert, und obwohl es oft mit negativer Kritik an Banalität und Mangel an Originalität traf, definierte es die Grundvoraussetzung der Pop-Art durch Parodie. Die wirkungsvollen, ikonischen Bilder von Lichtenstein haben Pop Art und moderne Kunst revolutioniert. Indem er sich vom dominierenden abstrakten Expressionismus entfernte, der sich auf die tragischen Themen der Künstlerseelen konzentrierte, fand Roy seine Inspiration in der umgebenden Kultur und nicht durch die Erforschung der individuellen Gefühle des Künstlers., Er baute aus massenreproduzierten Bildern ein bedeutendes Werk auf, das endlose Debatten über die Begriffe Originalität und Konsum hervorrief und die feine Linie zwischen Kunst und Unterhaltung erforschte. Dies war genau eines der hervorgehobenen Prinzipien der Pop Art, die sich mit der Erforschung aller Formen der Kommunikation und Nachrichten durch Codes oder Sprache befassten.
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Keith Haring – Timeless Visual Language
Eine der bekanntesten Bildsprachen des 20. Wenn Sie seine Arbeit sehen, gibt es keine Fehler, Sie wissen sofort, ob es Haring ist oder nicht, Sie müssen nicht zweimal raten. Seine ikonischen Charaktere und sein charakteristischer Stil sind in der heutigen Gesellschaft immer noch sehr präsent und beliebt., Haring war eine weitere führende Figur in den Bemühungen, die Barrieren zwischen hoher und niedriger Kunst abzubauen und Kunst für alle zu schaffen. Mit dem Ziel, seine Kunst für Menschen noch zugänglicher zu machen, eröffnete er ein Einzelhandelsgeschäft namens Pop Shop, in dem er Poster, T-Shirts und andere erschwingliche Pop-Art-Bilder mit seinen charakteristischen Designs verkaufte. Obwohl sein Leben aufgrund von AIDS-Komplikationen abrupt endete, hinterließ Haring eine sehr produktive Karriere eines bahnbrechenden Künstlers, dessen Arbeit Jahrzehnte später in der modernen Kultur Anklang findet.,
Robert Rauschenberg – Erfassung des visuellen Rauschens in einem Rahmen ironischer Allegorie
Radikale Mischung von Materialien und Methoden brachte Robert Rauschenberg an die Spitze mehrerer Kunstbewegungen, einschließlich Pop Art. Als einer der frühen Innovatoren des Siebdrucks nutzte Rauschenberg die damaligen neuen kommerziellen Druckverfahren und übertrug so Fotos und Bilder auf die Leinwand., Die mehrfache Reproduzierbarkeit von Bildern, die bis dahin nur in kommerziellen Anwendungen zum Einsatz kam, wurde zu einem innovativen Werkzeug in den kreativen Händen von Robert Rauschenberg. Durch die Kombination von Ölmalerei mit fotografischer Siebdruck spiegelte er unsere Erfahrung von Massenmedien wider und fing das visuelle Rauschen in einem Rahmen ironischer Allegorie ein. Neben Jasper Johns würde Rauschenberg den Grundstein für die Brücke zwischen dem abstrakten Expressionismus und der amerikanischen Pop-Art legen.
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Richard Hamilton – Verspielt und Fett, dDing, Was Er Empfand,
Wir bewegen uns auf zu einem weiteren berühmten Pop-Art-Künstler. Inspiriert vom Vulgären und Alltäglichen, spielerischen und einflussreichen Richard Hamilton wurde er als Vater der Pop-Art-Bewegung bezeichnet. Einigen zufolge war Hamilton sogar der ursprüngliche Präger des Begriffs selbst und sagte, dass er zuerst Pop Art in einem Brief an die Architekten Alison und Peter Smithson bezüglich einer der Ausstellungen verwendete., So oder so, Hamilton bleibt sicherlich einer der frühesten und einflussreichsten Künstler der Bewegung. Seine 1956 collage Namen Nur, Was Macht das heutige Zuhause So Anders, So Anziehend? featured ein Wohnraum mit einer Fülle von Objekten der Begierde wie der Staubsauger überladen, Fernseher, Dose, Tonbandgerät, Bodybuilder, etc. Obwohl der Katalog dieses Verbrauchers ein gewisses Maß an Verspieltheit zeigte, zeigte er auch ein unterstrichenes Maß an schrecklicher Unruhe in diesem Alter., Phallische Lutscher, Pop-up-Toaster, recycelte Bilder populärer amerikanischer Magazine… dies sind nur einige der Symbole, die Hamilton mutig in seinen bahnbrechenden Kunstwerken verwendet, und um seine Karriere und vielleicht sogar das gesamte Prinzip des Kunstmachens im Allgemeinen am besten zu beschreiben, hinterlassen wir Ihnen eines von Richard Hamiltons Zitaten:
Die Leute scheinen nicht zu verstehen, dass ein Künstler frei ist, zu tun, was er will, und ich habe diese Möglichkeit immer genossen. Ich tue, was ich will.,
Andy Warhol – Wegweisendes Leuchtfeuer der Pop Art
Natürlich kann es keine Pop Art Diskussion ohne Einbeziehung von einer der produktivsten und beliebtesten Künstler seiner Zeit, Andy Warhol. Der Superstar der Pop-Art, Warhol brach mit seinen bereits legendären Campbell ‚ s Suppendosen und Gold Marilyn Monroe in weltweiten Ruhm ein., Unter vielen bahnbrechenden Dingen, die diesem produktiven Pop-Art-Künstler beigefügt sind, war er auch einer der ersten Künstler, der jemals Video als Kunstwerk ausstellte. Das mag heutzutage üblich und normal klingen, aber in den 1960er Jahren, als die Pop-Art-Bewegung blühte, wurde sie als fast revolutionär angesehen. Normalerweise umgeben von Prominenten, Andy Warhol war eine prominente Figur in der NY Night-Life-Szene, die berühmte Linie von vielen zu der Zeit verwendet angegeben, dass Sie wussten, dass Sie auf einer guten Party in New York waren, wenn Warhol auftauchte., Da Pop Art eine wichtige Rolle beim Zusammenbruch zwischen hohen und niedrigen Kunstformen spielte, Warhols Arbeit diente als wegweisendes Leuchtfeuer für diese Entwicklungen, und letztendlich hat seine Karriere unzählige andere Künstler beeinflusst und ist auch heute noch ein wichtiger Faktor.
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David Hockney – Playboy der modernen Kunst und ein Pop-Art-Pionier in Großbritannien
David Hockney gilt als wegweisender Pop-Art-Künstler in den USA.Großbritannien. Obwohl Hockney persönlich die Kennzeichnung seiner Kunst als Pop Art ablehnt, umfasst sein vielseitiges Werk Malerei, Fotografie, Druckgrafik, Bühnenbild und andere Bereiche, die sich mit einer Vielzahl von Einflüssen befassen, von denen einige aus populärer Kunst und Kultur stammen., Hockney wurde aufgrund seiner lasziven Beziehungen oft als Playboy der modernen Kunst bezeichnet und war während seiner gesamten Karriere ein engagierter Schöpfer. 1963 verliebte sich der britische Künstler in Los Angeles und entwickelte daraus eine sonnenverwöhnte Palette, mit der er seine Gemäldeserie begann, die auf seinen Fantasien vom homoerotischen Leben in Kalifornien basierte. Diese Gemälde kalifornischer Schwimmbäder haben ihn unbestreitbar mit der Pop-Art-Bewegung in Verbindung gebracht, die in den 1960er Jahren sowohl in Großbritannien als auch in den USA aufkam.,
Robert Indiana – amerikanische Identität und die Kraft der Sprache
Ein selbsternannter „Maler der Zeichen“, der am besten für seine Pop-Wortkunst bekannt ist, verwendete Robert Indiana ein einzigartiges Vokabular von Straßenschildern und Werken im Werbefilm um die Kultur des Südamerikas darzustellen. Auffällige Bilder von Text, Zahlen und Symbolen, die die Abstraktion der Zeit widerspiegelten, enthielten auch politische und soziale Obertöne und trugen eine unterstrichene Botschaft., Nur wenige Stücke von Pop-Art-Bildern sind weithin anerkannt als Indianas LIEBE. 1966 hergestellt, wurde sein Signaturbild, das ganz einfach die Buchstaben L O V E buchstabierte, in unzähligen verschiedenen Medien und Farben repliziert und wurde zu einer Ikone der Pop-Art. Robert Indiana konzentrierte sich auf die Realität der amerikanischen Gesellschaft, indem er einfache, aber visuell kühne Kompositionen und geformte Leinwände verwendete, die ihn zu einem der berühmtesten amerikanischen Pop-Art-Künstler machten.,
James Rosenquist – Billboard Artist
Frühe Beschreibungen von James Rosenquist enthalten oft das Tag Pop Art, das dem Künstler nicht gefiel. Leider war Rosenquist definitiv eine der wegweisenden Figuren der Bewegung. Durch die komplexe Schichtung populärer Motive wie Coca-Cola-Flaschen, verpackter Lebensmittel, Küchengeräte und Lippenstiftmündungen von Frauen und gepflegten Händen verkörperte Rosenquists Kunstwerk die schwindelerregende Allgegenwart der Konsumwelt., Seine großformatigen, fragmentierten Pop-Art-Gemälde transformierten die Bildsprache kommerzieller Arbeiten auf Leinwand. Nachdem er als Plakatmaler gearbeitet hatte, verwendete er oft die übrig gebliebene Farbe, um kleine abstrakte Gemälde zu schaffen. Rosenquist erforschte die Auswirkungen der Verwendung eines Billboard – Malstils auf kleineren Leinwänden und produzierte Stücke, die mit Größen-und Technikverschiebungen spielen würden. Verschiedene Popbilder und Symbole der Werbesprache und Popkultur landeten in seiner Arbeit., Rosenquist Unterschrift Stücke sind fragmentiert, sonderbare Bilder kombiniert und überlappte mit einem anderen, um zu bilden eine visuelle Geschichte, die auf Leinwand. Seine Verweise auf massenproduzierte Waren, Zeitschriften, Filme und andere Aspekte der Massenmedien machten ihn zu einer der Schlüsselfiguren in der Entwicklung der Pop-Art in den Vereinigten Staaten.
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Alex Katz – Anticipating Pop Art
Ein weiterer Schöpfer, der sich nicht als Pop-Art-Künstler beschreiben würde, der die Bewegung der Pop-Art unbestreitbar beeinflusst und weiterentwickelt hat, ist Alex Katz. Zugegeben, Katz begann früher und ging danach weiter, und im Allgemeinen scheint seine Kunst subtiler, leiser und freundlicher als andere Kunstwerke berühmter Popkünstler. Seine stilisierte, vereinfachte Technik wurde geschnitten, um das Auge zu erfreuen, aber gleichzeitig fiel sie nie in das Triviale., Katz schien eine besondere Ebene zwischen Pop und Tiefe gefunden zu haben, wo er seinen charakteristischen Stil verwendete, um einfache, aber wirkungsvolle Kunstwerke zu schaffen. Schon früh umarmte er monochrome Hintergründe, die später zu einem bestimmenden Merkmal seines Stils wurden und Pop-Art antizipieren würden. Katz ‚ Kunstwerke überbrückten die Kluft zwischen Abstraktionstraditionen und Figuration. Der Künstler selbst behauptete, dass es in seiner Kunst um „Oberfläche“ gehe, vielleicht bezogen auf die Tatsache, dass seine Bilder keine offensichtliche psychologische Komplexität hatten., Wenn man Hinweise aus Cinemascope-Filmen und Werbetafeln nimmt, kann man mit Sicherheit sagen, dass seine stark stilisierten Bilder Pop Art erwarteten.
Takashi Murakami – Zeitgenössischer Erbe der Pop-Art-Bewegung
Der international produktive zeitgenössische japanische Künstler Takashi Murakami sagte einmal, dass ein Künstler jemand ist, der die Grenzen zwischen wer bemüht sich, sie zu kennen., Murakami ist ein Schöpfer, der sich der Moderne, in der er arbeitet und lebt, voll bewusst ist und die Tatsache akzeptiert, dass alle Kunst heute zum Verkauf steht. Er weigert sich eklatant, sich über innere Tiefen und unterstrichene Botschaften zu täuschen, er bestreitet sogar, sie zu haben. Murakamis Werk ist dafür bekannt, die Grenze zwischen hoher und niedriger Kunst zu verwischen, und umfasst eine breite Palette von Medien und wird allgemein als Superflat bezeichnet, ein Begriff, den er geprägt hat. Mit Motiven aus der japanischen traditionellen und populären Kultur und mit flachen / glänzenden Oberflächen schuf Murakami erfolgreich einen eigenen Stil., Mit wiederkehrenden Motiven und ikonischen Charakteren wie den lächelnden Blumen, Pilzen und Schädeln berührt er sogar die buddhistische Ikonographie und die sexuellen Komplexe der Otaku-Kultur. Knallende, bonbonartige Farben und anime-artige Ästhetik machen Murakamis Stil sofort erkennbar. Inspiriert von der Pop-Art gilt der Künstler als Erbe von Warhol in seiner Fähigkeit, kommerzielle, populäre Bilder in hochwertige Kunstwerke zu verwandeln.
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Featured images:
Robert Indiana Liebe Skulptur; Richard Hamilton, John McHale – Nur was macht das heutige Zuhause so anders, so anziehend; Keith Haring – Romero